¿.QUÉ ES ARTE MODERNO ?

El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local. Arte moderno es un término referido a la mayor parte de la producción artística desde finales del siglo XX  hasta aproximadamente los años 1970,  por oposición al denominado arte académico, que representaría la tradición, mientras que el arte moderno representaría la experimentación. Producciones recientes son a menudo denominadas arte contemporáneo, aunque este término también se refiere al arte de la Edad Contemporánea -desde mediados del siglo XVIII-. Hay que entender, por tanto, que el concepto de arte moderno no es cronológico, sino estético; de estilo, de sensibilidad, o incluso de actitud:  un pintor academicista como Bourguerau, muerto en 1905, no hace arte moderno, mientras que Van Gogh, fallecido en 1890 es,  indudablemente moderno.
El arte moderno representa como innovación frente a la tradición artística del arte occiddental una nueva forma de entender la estética, la teoría y la función del arte, en que el valor dominante - pintura o escultura- ya no es la imitacción de la natuiraleza, o su representación literal. La invención de la fotografía había hecho esta función artística obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas. 


  El café de Arlés. Van Gogh,  1888

 

           Los Alyscamps. Paul Gauguin, 1888 


Los precedentes de las ideas artísticas modernas ya pueden verse en la obra de los grandes maestros barrocos: Velázquez o Rembrandt; o de autores de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX más o menos cercanos al romanticismo como Goya, David, Delacroix, Gericault, Turner o Blake y; de autores de mediados del siglo XIX más o menos cercanos al realismo como Corot, Millet, Courbet, Morris o los pintores de la escuela de Barbizón. Para esas fechas empieza a ser usual la percepción del artista moderno como un incomprendido social, ajeno a las instituciones; aunque paradójicamente termine creando su propia institucionalidad alternativa: Salón des Refusés, de 1863 -salón de los rechazados-

El perro. Goya, 1812

 
El Temerario remolcado a dique seco. William Turner,  1839

El postestructuralismo, - a finales de los años 1960- acuña el término postmoderno,  ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad -elementos propios de la modernidad-; en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.
Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la institución del arte a partir de la obra de Marcel Duchamp: Fuente (1917), un objeto cotidiano descontextualizado y exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés). Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg o, teóricos como Rosalind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusierón este pensamiento dentro del main stream internacional.

Fuente. Marcel Duchamp, 1917

En esta época, un número de artistas y arquitectos habían comenzado a rechazar la idea de moderno  y comenzaron a crear obras típicamente postmodernistas. De allí la relevancia de la Crisis de laas vanguardias artísticas y el debate modernidad-postmodernidad. Comenzando desde la era de posguerra, menos artistas usaban pintura como medio principal. En su lugar, se generalizaron las grandes instalaciones. Desde los años 1970, el media art se ha convertido en una categoría por sí mismo, con un emergente número de artistas experimentando con las nuevas tecnologías. El videoarte es el ejemplo mejor conocido.
La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico.
El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas.
El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.

Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.
Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.
Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.
En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.

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