Heinrich
Wölfflin ha condensado los cambios que se producen entre el
Renacimiento y el Barroco en cinco pares de oposiciones que iluminan con
claridad las diferencias entre los caracteres más generales de esa
producción.
1. LINEAL
/ PICTÓRICO El carácter lineal de la representación en el
Renacimiento, corresponde a un modo de visión que atiende a la
diferenciación clara de los contornos del objeto representado. Aquí la
línea define los rasgos de la representación. En el arte Barroco, por el
contrario, el color, las luces y las sombras jugando sobre volúmenes y
superficies, tienden a fundir los límites precisos del objeto con el
fondo. Mientras en el primer caso predomina el dibujo, en el segundo el
medio más apto parece ser la pintura.. Desde este punto de vista, “El
nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli presenta un contraste evidente
con una obra Barroca “Cristo en Emaús” de Rembrandt.En la escultura la
oposición se manifiesta, por ejemplo, entre el “San Miguel” de
Donatello y “El éxtasis de Santa Teresa”, de Bernini. Mientras en el
primer caso los contornos de la figura se recortan nítidamente, en el
segundo la Santa y el Ángel se conjugan entre sí, los pliegues del manto
y la nube conforman un conjunto indeterminado, que dejan una impresión de continuidad con el entorno de la obra, acentuada por la iluminación
del altar.
2. SUPERFICIE
/ PROFUNDIDAD En el momento en que se logra la representación de la
profundidad sobre un plano- la perspectiva- se da paradójicamente el
caso en que el efecto de profundidad se logra mediante planos superpuestos que van llevando al ojo hacia el fondo de la escena. En una
pintura del Cuatrocientos se distinguen los sucesivos planos que llevan
hacia las partes más alejadas. Esa yuxtaposición plana es la forma de
mayor legibilidad, como ocurre con los personajes de “Los Desposorios de
la Virgen”, de Rafael, en el que los personajes se recortan nítidamente
en un primer plano. Aquí, la línea de horizonte se ha elevado de tal
modo que la arquitectura, al fondo, no sufre ninguna interrupción. Todo
lo contrario puede observarse en “El tránsito de la Virgen” de Caravaggio, en la que los múltiples personajes se han agrupado de modo
que la profundidad se va dando gradualmente. Las figuras se entremezclan
y la luz contribuye a crear esa sensación de indeterminación de cada
uno de los planos en que podría descomponerse la escena; con esa
vibración luminosa se provocan sutiles diferencias espaciales.
3. FORMA
CERRADA / FORMA ABIERTA Las formas abiertas se integran al fondo o al
medio en que están inmersas. Son propias del período Barroco y tienen
cierta semejanza con las formas naturales. En la pintura de ese período,
los contrastes de luz, mediatinta y sombra han desaparecido, lo que
contribuye a la integración que antes se mencionaba. El espacio
interpenetra las formas arquitectónicas y escultóricas, diluyendo los
límites entre interior y exterior. Las formas cerradas, por el
contrario, son propias del Renacimiento, muestran su contorno con
absoluta claridad y se diferencian del fondo. Se muestran como objetos
independientes y también son conocidas como formas hápticas o táctiles,
por oposición a las formas cerradas que son consideradas formas ópticas o
sensoriales por su relación con la pintura veneciana de fines del
Renacimiento. Los cambios producidos en el arte entre los períodos
considerados muestran, en cuanto a las formas que en ellos se producen,
una evolución paulatina de la forma cerrada a la forma abierta. El
fenómeno tiene estrecha relación con las oposiciones señaladas en los
puntos anteriores, y los ejemplos que podrían citarse pueden ser
exactamente los mismos.
4. UNIDAD
/ PLURALIDAD El arte Clásico se caracterizapor una búsqueda de la
unidad. Pero Renacimiento y Barroco lograrán ese objetivo con medios
diferentes. En el primer caso los componentes se conjugan armónicamente
manteniendo su individualidad. En el segundo las partes se concentran en
un único motivo o bien el conjunto se subordina absolutamente al
elemento principal que obtiene así la hegemonía. Se citarán como
ejemplos “El Descendimiento de la Cruz” de Durero en el que se observa
una composición sobre la base de figuras unitarias, reconocibles, así
como el cuadro del mismo tema realizado por Rembrandt en el que cada uno
de los personajes pierde su individualidad y se logra la síntesis con
el recurso de una fuerte iluminación que cae destacando
escenográficamente el motivo principal.
5. CLARIDAD
ABSOLUTA / CLARIDAD RELATIVA Al primer caso corresponde la claridad de
lectura de las imágenes representadas o de las formas construidas y de
sus partes constitutivas, mientras que para el segundo caso nos
referimos a una posibilidad de aprehensión más global, sintética y de
conjunto. En pintura la iluminación representa un papel preponderante,
ya que poco a poco va perdiendo su carácter exclusivamente funcional
para transformarse en un recurso expresivo de carácter escenográfico. Ya
en la pintura barroca la fuente de luz está fuera del cuadro, y en la
arquitectura de este período se buscan los medios para ocultarla
deliberadamente.
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