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PERSPECTIVA JERÁRQUICA EN EL ARTE EGIPCIO

Frecuentemente en el arte egipcio se pueden observar personajes representados con dimensiones reducidas, en contraposición a otros que fueron plasmados a una escala mucho mayor. Se trata de un recurso artístico denominado "perspectiva jerárquica", que permite destacar o concentrar la atención en determinados aspectos narrativos, utilizando para ello la distorsión del tamaño de las figuras. Así, en una misma representación pueden interactuar personajes mostrados con escalas que a veces pueden ser muy dispares, llegando incluso a generarse la sensación que unos son gigantescos, mientras que otros pueden llegar a resultar minúsculos

Merit, representada en dimensiones muy reducidas, se abraza a la pantorrilla de su esposo Sennefer. Él es aquí, sin lugar a dudas, el máximo protagonista de la escena. En el arte egipcio, no obstante, también es muy habitual el retrato de matrimonios en que ambos cónyuges comparten la misma escala. Pintura de la tumba de Sennefer (TT 96). Dinastía XVIII. Tebas oeste. Foto:  Susana Alegre García
Merit, representada en dimensiones muy reducidas, se abraza a la pantorrilla de su esposo Sennefer. Él es aquí, sin lugar a dudas, el máximo protagonista de la escena. En el arte egipcio, no obstante, también es muy habitual el retrato de matrimonios en que ambos cónyuges comparten la misma escala. Pintura de la tumba de Sennefer (TT 96). Dinastía XVIII. Tebas oeste. 
 
La "perspectiva jerárquica" ha sido utilizada por los artistas de todos los tiempos, ya sea en relación a figuras completas (por ejemplo, ya en las pinturas prehistóricas levantinas las cacerías suelen mostrar a animales desproporcionadamente grandes); aunque también se aplica este efectismo al trastocar parcialmente el tamaño de alguna de las partes del personaje representado (es el caso del David de Miguel Angel, con unas manos quizá demasiado grandes, pero que dirigen la atención del espectador hacia la acción inminente de preparar la honda).
A pesar de lo que frecuentemente se ha dicho sobre la "perspectiva jerárquica" en relación con el arte egipcio, lo cierto es que bien poco tiene que ver este recurso con la jerarquía o posición social de los representados. El uso de la "perspectiva jerárquica" es, sobre todo, una conceptualización plástica. Las variaciones de tamaño con las que eran mostrados los individuos por los artistas egipcios, en definitiva, constituye un eficaz recurso expresivo que se utilizó para dar énfasis a personajes y para ensalzarlos visualmente en el marco que se considerara adecuado, sin olvidar la trascendencia simbólica y mágica que puede tener todo aquello que es mostrado con mayores dimensiones.
De modo que al observar una pintura, un relieve o una escultura egipcia,  en los individuos representados con grandes dimensiones no debemos ver sistemáticamente de forma estricta a aquellos que ocupan una elevada posición en el escalafón social, un alto rango o al poseedor de una elevada capacidad económica; sino a personajes que en un contexto temático concreto se les ha querido destacar utilizando el recurso de la "perspectiva jerárquica".

Las dimensiones de los remeros en esta escena son superiores a las de personajes como el timonel. Así se subraya la acción de remar y se destaca por encima de la actividad desarrollada por los otros ocupantes de la barca, cuya jerarquía en la organización del barco debía quedar por encima de la de los remeros. Pintura de la tumba de Sennefer (TT 96). Dinastía XVIII. Tebas oeste.  Foto: Susana Alegre García
Las dimensiones de los remeros en esta escena son superiores a las de personajes como el timonel. Así se subraya la acción de remar y se destaca por encima de la actividad desarrollada por los otros ocupantes de la barca, cuya jerarquía en la organización del barco debía quedar por encima de la de los remeros. Pintura de la tumba de Sennefer (TT 96). Dinastía XVIII. Tebas oeste.
 
Un buen ejemplo para comprender la utilización de la "perspectiva jerárquica" en el arte egipcio podamos encontrarlo en una Psicostasia del Libro de los Muertos conservada en el Museo Egipcio de Turín (Fig. 3). En esta imagen, Osiris fue representado con dimensiones que contrastan claramente por encima de los demás dioses y además se le destacó con un baldaquín. En el otro extremo de la escena, por la derecha, el difunto accede a la Sala del Juicio y también es mostrado con una estatura ligeramente superior a la de los dioses (es algo mayor que Maat y claramente más grande que Horus, Tot y Anubis). Ello no significa que exista una especie de escala que sitúe a Osiris por encima de las demás deidades, ni que el personaje humano pueda ocupar algún tipo de jerarquía por encima de los dioses. Lo que expresa la "perspectiva jerárquica" es que en este contexto escénico Osiris y el difunto son fundamentales en la acción que se narra, y que los demás personajes resultan más secundarios.

Papiro con la escena de Psicostasia del Libro de los Muertos del difunto Horus. Imperio Nuevo. Museo Egipcio de Turín. Foto en A. M. DONADONI, Museo Egizio, 1984, p. 37
Papiro con la escena de Psicostasia del Libro de los Muertos del difunto Horus. Imperio Nuevo. Museo Egipcio de Turín.
 
Aquí, el gran protagonista es el enjuiciado y, más aún, Osiris, cuya dimensión, como su autoridad en la Sala del Juicio, se impone por encima de todos los demás.

ETAPAS DEL ARTE GRIEGO

El arte griego es el icono de la cultura occidental, sus modelos son tenidos como clásicos, aún en nuestros dias. El arte griego, manifestado en Grecia y sus colonias, comienza entre los años 1100 y 100 antes de Cristo y es uno de los periodos más influyentes de todos los tiempos. Se caracterizó por la representación naturalista de la figura humana, sobre todo en la manera de expresar el movimiento y los sentimientos, tanto en dioses como en humanos, todos ellos unidos en el mito y en la realidad. Paradójicamente se han conservado pocos ejemplares, tanto en lo que respecta a arquitectura como a la escultura de esta etapa, aunque sí de cerámicas y joyas. Los relatos históricos completan la información que se tiene sobre el arte griego. Todas las manifestaciones artísticaas cumplían la función de  plasmar acontecimientos civiles y religiosos de carácter público. El arte griego de carácter privado sólo se podía encontrar en elementos funerarios y vajillas, propiedad de familias más ricas.

El Arte Griego clásico se caracterizó por representar figuras humanas naturalistas

- Etapa Geométrica (del siglo X a VIII a. Cto.): no tenemos muchos datos de esta etapa, se denomina así por la decoración de la cerámica, en la que la figura humana aparece muy esquematizada.

- Etapa Arcaica (del siglo VIII a VI a. Cto.): Por su actividad comercial se producen cambios, oriente aporta el naturalismo y el realismo en las representaciones. Aparecen las primeras ciudades y templos, cambios también en la escultura y la cerámica. E
l periodo arcaico del arte griego ubicado entre los años 650 y 475 aC. es un periodo de búsqueda y experimentación con una impresionante evolución arquitectónica. En cuanto al periodo clásico del arte griego se caracteriza por el equilibrio entre los órdenes dóricos y jónicos, tomando lo mejor de ambos para fusionarlos en una síntesis sublime. La naturaleza se transforma en abstracción manifiesta en dos conceptos estéticos: el perfil y la serenidad griega, que connotaban la búsqueda del hombre helénico de la conjugación entre la excelencia física, espiritual y moral. Se divide en tres subperiodos. El periodo clasico alto del arte griego donde la escultura abandona la sonrisa arcaica para adoptar más simplicidad en las formas. En cuanto a la arquitectura el estilo de las construcciones es una rebelión contra los cánones anteriores más pesados y menos esbeltos. Luego de la victoria griega sobre los persas, hay una necesidad de reconstruir la devastación de la guerra. La mayoría de los templos de la alta época clásica eran de orden dórico.

Esta vasija corresponde al periodo griego conocido como "oriental", donde se incorporan felinos y esfinges, como muestra la fotografia de la cerámica

- Etapa Clásica (del siglo V a IV a. Cto.): Grecia ha alcanzado la plenitud en todos los campos, llegan a nosotros los nombres de los grandes artistas en los tres campos del arte. Podemos distinguir dos períodos,
El periodo clásico medio (c. 448 a.C.-400 a.C.) se desarrolló bajo el liderazgo de Pericles. La arquitectura y la escultura de Atenas alcanzaron entonces una perfección raramente igualada. El Partenón es la muestra acabada de la arquitectura de la época. Se desarrollaron métodos para contrarrestar las distorsiones ópticas; los muros se curvaban levemente hacia arriba y las columnas se tallaban más anchas en el centro que en los extremos (éntasis) y se inclinaban ligeramente hacia el interior. El Partenón se construyó en su totalidad de mármol. El Erecteion es un templo jónico construido hacia el 421-405 a.C. en la Acrópolis de Atenas y otra de las grandes construcciones de este periodo del arte griego. Fidias y Policleto fueron los escultores más importantes del periodo clásico medio. Fidias, el escultor de los dioses y Policleto el de los seres humanos o mortales. Fidias creó la estatua de Zeus en Olimpia, considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo y la de Atenea en el Partenón, entre algunas de sus extraordinarias obras. La pintura no posee grandes avances.

 Reconstrucción de El Partenón
 
El periodo clásico final (400 a.C. a 323 a.C.) se caracteriza por una disminución en la producción artística en virtud de la guerra del Peloponeso. Los templos se seguían construyendo en orden dórico aunque sin el porche exterior y se comienzan a utilizar las columnas corintias (columnas jónicas con hojas de acanto en los capiteles). Los teatros se construyen en piedra (se realizaban en madera tradicionalmente). El edificio más impresionante fue el Mausoleo de Halicarnaso, la enorme tumba en honor de Mausolo, otra de las siete maravillas del mundo.

 
Muasoleo de Halicarnaso

- Etapa Helenística (del siglo III a I a. Cto.): La cultura griega sale de sus fronteras originales y se extiende por el Mediterráneo. Es la etapa más barroca del arte, todo se lleva a sus últimas consecuencias. Roma ya es una potencia mediterránea, y toma las características principales de su arte de Grecia. Grecia acabará siendo parte del Imperio Romano en el siglo I a. Cto.

EL NACIMIENTO DE LA CIVILIZACIÓN Y EL HOMBRE OCCIDENTAL

El movimiento neoclásico del siglo XVIII, con sus esculturas de mármol blanco inspiradas por el arte del mundo antiguo, ha contribuido a que el arte griego permanezca vivo en nuestra memoria incluso en la actualidad. Pero la realidad del arte antiguo fue completamente diferente, al igual que las superficies eran, de hecho, mucho más toscas. Tal como el autor Michael Siebler señala, descubrimientos recientes han revelado que los cuerpos aparentemente perfectos de las estatuas y esculturas eran pintados a menudo con colores y ornamentos exuberantes. De este modo, el arte griego antiguo combinaba un alto nivel de identidad clásica con igual cantidad de sensualidad. A pesar de ser vistas bajo una nueva luz, la belleza de las obras de arte persiste.



ARTE Y SOCIEDAD EN EL MUNDO ANTIGUO

  http://www.esacademic.com/pictures/eswiki/65/Abt.jpg  
Fresco de Pompeya con una representación de Venus Anadiómena

 Venus Anadiómena(su nacimiento saliendo del mar, lo que exige su desnudez), fresco pompeyano que reproduce la composición atribuida a Apelesl (finales del siglo IV a. C., apreciadísima en la Antigüedad (Augusto pagó la extraordinaria cantidad de cien talentos a la ciudad de Cos para llevársela a Roma) y que seguirá imitándose con distintas versiones y contextos en el renacimiento (Nacimiento de Venus de Botticelli, distintas Venus de Tiziano, el barroco (Velázquez) y posteriormente.
Venus Anadiómenaes una representación iconográfica de la diosa Afrodita saliendo del mar. La representación original de Apeles desapareció pero se encuentra descrita en la Naturalis Historiæ de Plinio,  donde se menciona como anécdota que el pintor uso a Kampaspe, concubina de Alejandro Magno, como su modelo. De acuerdo a Ateneo, a idea de Venus saliendo del mar se inspiró en Friné, la cual durante los festivales Eleusinos y los dedicados a Poseidón nadaba desnuda libremente por el mar.
El concepto de arte en la Antigüedad no había alcanzado en ninguna civilización la consideración social de bellas artes que consiguió en la cultura occidental a partir del Renacimiento. Pintura, escultura y arquitectura (las artes visuales) eran equivalentes a las diferentes artesanías, habilidades o técnicas manuales (ars en latín, tekné en griego) que no gozaban de prestigio social en ninguna de las distintas formaciones económico sociales de las primeras civilizaciones (modo de producción primitivo, modo de producción asiático o despotismo hidráulico y modo de producción esclavista. 
Durante el periodo clásico de Grecia, sí que hubo artistas destacados que se relacionaron con políticos e intelectuales, o lo eran ellos mismos (como Fidias; pero tal cosa sucedió más como excepción que como regla, e incluso actuó más como mitificación que como una valoración del artista concreto (el caso de  Apeles).

QUE ES ARTE ANTIGUO

http://www.esacademic.com/pictures/eswiki/66/Belvedere_torso_by_jmax.jpg   
Torso Belvedere.  Apolonio de Atena. Siglo I a. c.

Miguel Angel, lo admiraba extraordinariamente -esta es la obra de alguien que ha sabido más que la Naturaleza- a pesar de, o quizá gracias a, su aspecto semidestruido, que produce una fascinación común a todo el arte antiguo que se mitifica. Es famosa su definición de una buena escultura: la que permanecía bella tras haber rodado por una pendiente.